Hur påverkar arkitektur hur vi skapar och uppfattar konst som en helhet? - detta var den väsentliga frågan under den andra upplagan av Art & Architecture Conference of the Frieze Academy i London. Vid detta tillfälle diskuterar den välkända arkitekten Sir David Adjaye , vars brett utbud av projekt länge har varit nära kopplat till olika konstformer, sina idéer i fältet i en dialog med Yesomi Umolu, kurator för utställning vid Reva och David Logan Center for the Arts vid University of Chicago. Från hans tidiga entusiasm för konststudier vid Smithsonian Museum i Washington DC kommer den berömda brittiska ingenjören att dela med sig av sina tankar och djupa förståelse för balansen mellan de två kreativa områdena.
"Uppriktigt sagt började mitt intresse för konst för att jag var lite besviken på arkitektur", säger den kända brittiska arkitekten Sir David Adjaye. Som ung student kände han att arkitektutbildning "blev mycket kontroversiell med fokus på intellektuella stilar". Men i efterkrigskonsten fann han en viss noggrannhet blandad med en dos mänsklighet, uttryckt genom erfarenheter från olika kulturer från hela världen. Det var denna fascination som förde honom till konstskolan, där han snart insåg att han inte var så mycket intresserad av själva konstutövningen utan snarare i dess sociala sammanhang. .
Men Adjayes ovanliga arkitektoniska bakgrund manifesterade sig verkligen som student vid Royal College of Art i början av 1990-talet. ”Tack vare den ekonomiska uppgången upplevde en hel generation konstnärer en stor utveckling på scenen. global. Detta fenomen påverkade också konstnärernas energi i London mot slutet av det tjugonde och början av det tjugoförsta ”, förklarar Sir David Adjaye. Och han tillägger: ”Faktum är att min yrkeskarriär inte skapades genom sponsring, vilket vanligtvis är fallet med de flesta arkitekter. Dess uppgång har uppstått tack vare konstnärerna och relationerna som upprättats genom akademin.
Ett av David Adjayes allra första projekt - de smutsiga husen
Och det var David Adjayes relationer med framväxande konstnärer, som alla försökte på den tiden få erkännande på Portbello Road-scenen (loppmarknad och turistfokus i det rika London-distriktet Notting Hill), som genererade sina första projekt. Med den första vågen av konstnärsupptäckt och hans migration till distriktet East London i Shoreditch, som han beskriver som "ett konfliktutrymme", grundade han grunden för sin första studio.
David Adjaye delar med sig av att under sina första beställningar, nämligen: "Dirty House" och "Elektra House" (vars inredning du kan beundra respektive i de två bilderna ovan), ville han inte skapa en bild av gentrifiering (anglicism för ”urban gentrifiering”). Men samtidigt inser han att hans verk kan ha bidragit till det. Syftet var att införa en tyst verklighet i hem, där konstnärernas oregelbundna atmosfär kunde bevaras, samtidigt som de förblev i överensstämmelse med omgivningen.
Dessa tidiga verk gjorde det möjligt för honom att bättre tolka de olika konstnärerna med deras instinkter och extrema upplevelser och förstå hur de motsäger arkitekturens effektivitet som han tidigare studerat den. Gränser måste skapas för att tillåta var och en av de kreativa människorna att separera sitt arbete från andras arbete och på så sätt skilja och respektera alla aspekter av sitt eget liv. Hans tidiga projekt krävde olika nivåer av ansträngning och empati, såväl som en mängd olika metoder, och det blev snart uppenbart för David Adjaye att syftet med arkitekturen inte bara försökte skapa ett vackert utrymme. .
När konstnären och arkitekten är i perfekt symbios är resultaten fantastiska!
“All the world futures” - Okwui Enwezor och David Adjaye, Venedigbiennalen, 2015
Från och med då gjorde David Adjayes relationer med konstnärer bara framsteg, liksom hans arkitektfirma. ”Jag började säga att dessa byggnader kanske är motpunkter för denna typ av allestädes närvarande vanliga fasader och att de har skapat en paus i världen. Dessutom öppnade de också nya möjligheter för interiörbelysning, förklarar arkitekten. "Det var så det började, idén att skapa en kontrapunkt med lager av integritet - reträtt och fantasi i hemmet."
David Adjayes praxis har aldrig varit kommersiell, inte ens vid övergång från bostadsprojekt till institutioner. Under denna förändring höll han sig vid samma tankeprocesser och samma förståelse för det praktiska området. Således undersökte han och hans team med varje nytt projekt nya koncept relaterade till konstfältet. Genom att ställa frågor som: "Hur man bygger motståndskraft i ett så bräckligt sammanhang?" och "Hur låter du designen samtidigt ha en betydande kreativ flexibilitet och den världsklasskvalitet som varje konstnär vill uppnå?" ”, Hans nyare projekt,” Rivington Place ”i Shoreditch (visas på bilden ovan), föddes. ”Dessa byggnader omfattar inte bara generationen av en ny typ av utrymme,men de skapar också små möjligheter för olika moderniseringar, tillägger han.
Samarbete mellan Chris Ofili och David Adjaye - ett av de mest ambitiösa projekten
Förutom den verklighetsfrihet som konstnärerna erbjuder, är det också möjligheten att observera bortom fasaderna som David Adjaye njuter av. Inget projekt speglar denna uppfattning bättre än hans arbete med Chris Ofili för konstbiennalen i Venedig 2015. "Det var förmodligen en av de mest ambitiösa saker jag någonsin har gjort för en konstnär", säger Adjaye. . ”Chris pratade om denna idé att integrera den vanliga banan för besökarnas rörelser i själva galleriet. Han var intresserad om vi verkligen kunde hitta detta i rymden, så vi skapade en trasig kupol som kaskader ner. Dess verkliga effekt är när människor går in i galleriet. ”
David Adjaye förklarar att det finns en ständig kamp för att "minska" arkitekturen. "Problemet är att när dina ögon har vant sig detaljerna och deras betydelse, blir de vaksamma och du börjar se hur svårt det är att skapa en bra bakgrund", säger Adjaye och jämför två yrken. ”Men konstnärernas ögon passar mycket bra - vi försöker sedan ständigt skapa frånvaro och samtidigt vara närvarande”.
Skolkovo School of Management i Moskva, Ryssland, designad av David Adjaye
David Adjayes starka förståelse för arkitektoniska brister resulterade i ett tankeväckande och metodiskt tillvägagångssätt, där studioskapande görs avgörande och i syfte att få stor inverkan. Det är denna helhetsbedömning av varje projekt som genererar dess framgång, med början i varje kunds individuella tankar. Utan en filosofisk uppfattning om förutsättningarna för det aktuella projektet skulle arbetet bli mer än mödosamt. Själva problemet blir katalysatorn för skapandet, vilket enligt David Adjayes erfarenhet tar fram den bästa delen av arbetet.
Dessa mönster, utvecklade i alla Adjayes tidigare projekt, ledde till hans karriär hittills - National Museum of African American History and Culture (bilden ovan och nedan) som enligt topparkitekten "är ett monument, ett minnesmärke och ett museum samtidigt". Byggnaden kompletterar den ursprungliga 200 år gamla huvudplanen för Washington DC och dess köpcentrum i synnerhet. Strukturen baseras dock bara på en fjärdedel av den avsedda designen, vilket innebar att hans arbete var tvungen att följa en annan strategi än andra museer inom Smithsonian Institution.
Det är kanske dessa utmaningar som ökade uppmärksamheten som David Adjaye ägde åt projektets speciella karaktär. Så han bestämde sig för att utforma på motsatt sätt till hur vanliga museer planeras (ofta underjordiska och utan lager). Resultatet av projektet var unikt och hans sätt att interagera med monumenten i Washington var också unikt. Strukturen kan inte bara fungera som en traditionell byggnad utan också som något som svänger mellan ett konstobjekt och ett arkitektoniskt verk.
Studiomuseet i Harlem, New York av David Adjaye
Tack vare David Adjayes förmåga att befria sitt sinne från de konventionella begränsningarna, liksom hans förståelse för att museet var en del av ett helt nationellt samhälle, växte samlingen av föremål som ställdes ut snabbt från 3000 till 35. 000 från olika donationer och bidrag. Denna kulturella och kontextuella kunskap finns också i ett annat av hans senaste projekt - den nya Studio Museim i Harlem, New York. ”Detta galleri välter föreställningen om ett museum”, förklarar Adjaye. "Museet skapar en känsla av allmän nyfikenhet och åtar sig att försörja det helt genom att bjuda in dig till dess interiör och genom att utbilda dig om många historiska ämnen och inte bara".
Förutom The Studio Museim i Harlem arbetar David Adjaye och hans team på två museer för samtida konst i Lettland (syns på de två sista bilderna) och Texas - två mycket olika platser som logiskt sett resulterade i två mönster som inte gjorde har inget att göra med varandra. Medan den förstnämnda påverkas av den baltiska inhemska arkitekturen, till exempel de enkla trähusen som finns i hela regionen, kommer den senare att klädas i moderna sidospår i levande lila. Beväpnad med ett brett utbud av okonventionella tillvägagångssätt och en holistisk praxis grundad i omfattande forskning, levererar Sir David Adjaye alltid oöverträffade projekt som förkroppsligar konstens individuella natur, kulturella bakgrund och samhället.
För att veta allt om David Adjaye och hans magnifika projekt, besök hans officiella webbplats